【パリ🇫🇷オルセー美術館】おすすめ30選｜モネ、ルノアール、ゴッホ、ミレー、マネ、ドガ他

印象派美術の宝庫「オルセー美術館」

パリの美術館といえばモナリザのルーブルが有名ですが、印象派美術の宝庫「オルセー」も屈指の人気を誇ります。

わたしは美術ド素人（中学の美術史だけは謎にガチ勉）なのですが、オルセー美術館、本当に良かったです…感動しました…。横みても後ろ振り返っても「これ教科書で見たことあるやつ！」のオンパレードで興奮しました。

⚠️写真は全て自身で撮影(館内撮影可)
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オルセー美術館は1900年のパリ万博のために建設されたオルセー駅を再利用し、1986年にオープンした美術館です。駅舎特有の奥行きのある空間と丸い天井は、柔らかい自然光を彫刻作品の上に落とし、世界でもトップレベルの美しい美術館となっています。

1848年以降から第一次世界大戦のはじまった1914年までの作品が展示されています。この時代は、フランス革命以降の混乱期を経て王政が終了し、フランスに民衆の時代が到来した時代。パリは世界の文化やアートの中心的存在であり、印象派、ポスト印象派と近代アートの基となり、現代アートに大きな影響を与えてきた作品の数々が、ここオルセー美術館に展示されています。

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駅舎の名残であるシンボルマークとなっている時計台。その真裏の屋根裏スペースは、カフェや展示スペースとなっており写真スポットとなっています。天気が良ければセーヌ川を挟んでのパリ市街、丘の上のサクレ・クール寺院まで見渡すことができます。

では早速行きましょう〜！

クロード・モネ

モネは19世紀後半から20世紀初頭にかけて活躍したフランスの画家で、印象派の創始者の一人です。彼の代表作『印象・日の出』から「印象派」という名称が生まれました。モネは光と色の変化を捉えることに熱心で、同じ風景を異なる時間帯や季節に描いたシリーズ作品でも知られています。特に、彼の後半の作品に多く登場する「睡蓮の池」シリーズは、抽象画の先駆けとも言われ、後世の芸術に大きな影響を与えました。

青い睡蓮が浮かぶ池の表面に反射する光と水面の描写が魅力。青い色調の睡蓮が浮かぶ池は、静かで穏やかな空間を表現しています。

1837年に建設されたフランス初の鉄道の発終着駅サン・ラザール駅を描いた作品。正式な許可をとって駅構内で描かせてもらったそうです。今にも汽笛の音が聴こえてきそうな臨場感あふれる描写が気に入りました。この作品モチーフのポストカードをまんまと購入。

こちらのモデルは、妻アリスの子供シュザンヌ。 川岸の土手の上から眺めている様子を描いた作品です。 風に吹かれている様子が非常に美しいです。影にも黒を使わないのがモネのこだわり。私は左向きの一枚が好きです。

マネの代表作として紹介した『草上の昼食』のオマージュ作品であり、同名作品となります。元々は1枚の巨大な絵画でしたが、保存状態が悪かった為にモネ自身で切断し2枚に分かれています。

モネは1884年から約2年間にわたり「積みわら」をテーマに連作を描きました。ジヴェルニーはパリの北西70kmの場所にあり、セーヌ河とエプト河の合流点にある街です。見ていると美しさと懐かしさでほっこりした気分にもなります。

晩年のモネは、ひたすらに「睡蓮」というモチーフと向き合い続けました。1889年ころから描き始め1926年に亡くなるまでの間に残した「睡蓮」の作品群は、約300点にも及びます。

作中の橋は「日本の橋」と名付けられています。モネは彼の浮世絵コレクションのなかの1つにインスピレーションを得てこの橋を庭に作ったと言われています。夏の夕暮れ、昼間の暑熱が尾をひく懐かしい時間帯にタイムスリップできるような作品です。

明るい位置（おそらくバルコニー側）から暗い室内を描いた一枚。息子が佇んで、こちらを見ています。この写真では分かりにくいですが、左側には婦人もいます。奥には光の射す窓。奥へ奥へと視線を誘われ、引き込まれていきます。

1860年代にはモネはフォンテーヌブローの森を足繁く訪れて、多くの作品を制作しました。この作品もそのひとつで、シャイイの森の中の道を描いています。木々の間からのぞく明るい空、強い光のあたる開けた地面、逆光になった木立、木の幹が落とす濃い影と、さまざまな光の状態が同一の画面に記録されています。

「この磯、めっちゃ釣れそう」
モネがこんな荒々しい海も描くのは意外でした。

ピエール＝オーギュスト・ルノワール

ルノワールは19世紀のフランスの印象派を代表する画家で、柔らかい色彩と生き生きとした光の表現を得意としました。彼の作品には、日常の幸せな場面や楽しそうな人々が多く描かれており、特に『ムーラン・ド・ラ・ギャレット』や『舟遊びをする人々の昼食』が有名です。ルノワールは、肌の質感を温かく柔らかく表現することに優れ、人々の表情や動きを豊かに描き出しました。印象派からやや離れた後も、豊かな色使いや愛情あふれるタッチで多くの作品を生み出し、今なお親しまれています。

パステルお気に入りの1枚。舞踏会の場を描いた本作品では、多数の人物たちが踊りながら、酒や食事を楽しんでおり、音楽まで聞こえてきそうです。都会的な流行の場面を取り上げるのも印象派の特徴です。ルノワールは、人物たちが持つ個性や心情を、細かな描写で表現しています。例えば、絵画の中央に描かれた男女のカップルは、恋人同士としての親密さが感じられるように描かれており、二人の表情や手の動きなどから、それぞれの感情を推し量ることができます。しかし、この作品でも当時は光が反射する表現は理解されませんでした。

ルノワールの真骨頂ともいうべき、甘くて優しいタッチの作品。ルノワール自身もこのテーマを好んでいたようです。オランジュリー美術館にもほぼ同じ構図の作品があります。

肝心のモデルとなった少女は一体誰なのかわかっていませんが、その時代はピアノを弾けるのは上層階級の人たちだけだったそうです。その貴族たちに依頼されて描いた作品。

絵画から温風でも出てんのかい！ってくらい暖かい雰囲気で包まれた作品。上品かつ愛らしい少女。そして抱かれた猫の笑っているような表情も印象的でした。全てが尊い。

どっちが都会でどっちが田舎？

素朴な衣装におおらかな笑顔の田舎の娘、洗練されたドレスにすました表情の都会の娘。どちらにもモデルがいました。後にルノワールは、田舎のダンスのモデル、アリーヌと結婚します。都会の娘は、恋多き画家シュザンヌ・バラドン（ユトリロの母）です。

ジャン＝フランソワ・ミレー

ミレー19世紀フランスの画家で、農民や田園の生活をテーマにした「バルビゾン派」の代表的な画家です。彼は、農民の日常や労働をリアルかつ敬意をもって描き、『晩鐘』や『落穂拾い』などの作品が有名です。ミレーの絵は、農村の厳しい生活を静かで荘厳な雰囲気の中に描き出し、当時の社会に対する鋭い視点を感じさせます。彼の作品は、社会的なテーマを扱いながらも普遍的な美を表現し、のちに多くの画家や作家に影響を与えました。

収穫後の落穂を拾い集める3人の農婦を描いています。3人の農婦の背後には大勢の人が収穫作業に追われ、刈り取った麦が高く積まれており、馬に乗った農場主らしき人物も描かれています。その収穫の賑わいから遠く離れ、黙々と落ち穂を拾う3人の農婦。空気遠近法によって農婦と後ろの農民の遠近感が表現されており、大空と大地の自然の中で、懸命に生きている人間の尊厳を感じる作品です。

「晩鐘」は、1857年から1859年にかけて制作されました。この作品は、一日の仕事の終わりを告げる晩鐘が鳴り響き、それを合図に農民夫婦が手を休め、神と祖先に感謝の祈りを捧げる様子を描いています。

ミレーは、自身の祖母が畑仕事をしていた際に、鐘の音が聞こえるたびに、自分たちの仕事の手を止めさせて、死者に祈りを捧げるよう言ったという思い出を元に描いたと言います。

四季の絵画のサイクルの最初のものです。4つの絵画は現在、異なる美術館に保管されています。夏はボストン美術館にあります。秋はニューヨークのメトロポリタン美術館にあります。冬は未完。

エドゥアール・マネ

マネは、「印象派の先駆け」と位置づけられる画家です。印象派展には結局一度も参加せず、サロン（官展）入選にこだわり続けました。従って、「印象派」の一員として語られることもよくありますが、厳密には印象派ではありません。当時の価値感とは真っ向から対立する作品をサロンに出品しては批判されたマネ。マネの挑戦によって、印象派という新しい流れが生まれます。

男性が衣服を着ているのに対して女性は不自然に裸の状態で描かれています。当時の西洋美術では宗教画などで女神や天使を描く場合にのみ、女性を裸で描くことが許されていた為、世間を騒がせました。

マネの代表作の一つで、スペインの巨匠ゴヤの作品から着想を得たとされています。一番手前の女性はベルトモリゾ。人物はそれぞれ違う方向を見ていて、まるで一緒にいることすら意識していないかのよう。奇妙な雰囲気が支配しています

エドガー・ドガ

ドガといえば、バレエの絵が有名です。 手足をのびやかに踊るドガのバレエダンサーの絵は、バレエに興味がない人をも惹きつけます。ところで、当時のバレエダンサーは、今とは違って貧しい娘たちでした。給料も安く、多くの踊り子は、観客として来る裕福な男性の愛人となることで、貧困から抜け出していました。貧富の差が激しい近代社会の残酷な現実を描くために、ドガは踊り子たちの絵に、たいてい「ハゲオヤジ」の姿を描き足しています。退屈そうにバレエを眺める黒づくめの男性像は、愛人を品定めする当時の「立派な紳士」でもあります。ドガは美しい踊り子とオヤジを同時に描くことで、社会の現実を描写しました。

オペラ座のリハーサル室での練習風景を描いたこのくつろいだ感じの絵によって、ドガは当時の伝統的なバレエ絵画から完全に離脱したと言います。窓から差し込む光に、透けるような純白の衣装が柔らかい空気を醸し出し、白いスカートに黄、緑、青のリボンがきれいで目を引きます。

ドレスの青がとても印象に残る作品です。強い色を大きめのタッチで描くというドガ晩年の特徴がよく現れています。踊り子たちは、衣装の細かい部分をなおしています。出番前の緊張とざわめきが伝わってきます。

別名《踊りの審査》とも呼ばれ、画面右側にいるダンスの教師が、右端の踊り子の踊りを審査しています。画面中央を思い切って大きな空白にすることで、教師と踊り子の間の緊迫した関係が強調され、絵の下端に断ち切られた椅子を置くことで、絵画空間に広がりをもたせています。

バレリーナと並んで、ドガがよく描いたモチーフが競馬場の馬の様子です。画面の途中で人物や馬が途切れています。整った画面ではなく、瞬間を切り取ったような構成は、写真をいち早く活用していたドガの特徴のひとつです。

晩年のドガは目が不自由になり、粘土やろうを用いて彫刻を制作しました。本作で彫刻が身につけている、シューズ、胴着、タイツ、チュチュ（バレェのスカート）、さらに髪の毛は本物が使用されています。作品のモデルは、オペラ座のバレェ学校の生徒の1人です。

フィンセント・ファン・ゴッホ

ゴッホは19世紀後半に活躍したオランダのポスト印象派の画家で、強い色彩と大胆な筆致が特徴です。生涯に2,000点以上の作品を残し、特に『ひまわり』『星月夜』『自画像』などが有名です。ゴッホは当時の画家としては非常に独自のスタイルを持っており、感情を込めた色や形で自然や人物を表現しました。生前はほとんど評価されませんでしたが、彼の作品は後に評価され、現在では最も影響力のある画家の一人とされています。

美術史に大きな足跡を残したゴッホ。自画像をいくつも描いていたことでも有名です。実際、彼がなぜ自画像をこれほどたくさん書いたのかについては、経済的な理由によりモデルを雇うことができなかったからであると言われています。ゴッホは、数々の自画像の中で、印象派や浮世絵の手法といった彼自身が出会い取り込んでいった絵画の技法を実験する場として使っていました。

「やれやれゴッホ君は困った患者だなあ」といった表情が好き。

医師ポール・ガシェ（1828-1909）はサルペトリエール病院にも勤務したパリの精神科医で，てんかんと精神症状を患っていたゴッホの晩年の主治医でした．ジギタリスは18世紀後半から心不全に使用されている治療薬ですが，てんかんにも用いられた時期があります，ゴッホの作品には写真右の「ひまわり」のように黄色が多く用いられているものがありますが，ガシェによりジギタリスが処方されたゴッホは中毒となり，副作用として黄視症を呈したというのです（Eye 1991;5:503-10）。名画にジギタリス中毒が関わっているという説に大変驚きました．

パッと見た感じ、ひまわりに似ていませんか？ゴッホ独特のタッチで描かれているからか、なんとなくひまわりを彷彿とさせる作品ではないでしょうか。ユリの花の色味も黄色なのも、なんとなくひまわりっぽいです。

🌟番外編

ほかお気に入りを一挙紹介！

「のびのび〜！」白い猫がきゅーっと背中を丸めるしぐさを歪みを使うことによってユーモラスな姿で描いています。足をふんばって強く丸め、首をひっこめ、なんともいえない表情をしているこの不思議な動物は、飼いならされたようにも野性的にも見えます。

31歳で世を去ったスーラの未完の大作。サーカスは、カフェ・コンセールとともに、世紀末のパリ市民の娯楽を担っており、ここに示されているように、最前列から天井桟敷まで様々な階層の観客がともに曲芸を見て楽しむ場でした。

シャッターを切った作品はまだまだたくさんありますが、お腹いっぱいなのでこの辺で。有名どころを絞って回っても3時間弱はかかると思います。とてもお勧めの美術館でした。

著&撮影：Dr. クレヨン