「ガヤ」とか「オンリー」ってなぁに？

　かなりニッチな話題で、線引きがとても曖昧なお話で、未だに現場で悩みながら録っていったりしていて、構想を練りながらなんとも歯切れが悪いお話なりそうな気がしてます。
　困ったことに、テレビと映画で考え方も違ったりして、どの層にもわかり易くを心掛けて書いてみますが、その辺をぬるっとさせてお読みいただけると幸いです。

　まず、前段として用語の説明からしておきますと、「ガヤ」とい言うのはざっくり言ってセリフ以外の声です。
　居酒屋のシーンだとすると登場人物のテーブル以外のエキストラさんの話している声だったり、店員のやりとりだったりと、お芝居の裏で薄く流れているアレです。
　映像制作をやられた事のない方には意外かもしれませんが、実はアレ、お芝居の台詞と同時に録っていない事の方が殆どです。
「すみませーん！このカットは皆さん口パクでお願いしまーす！」って助監督が皆さんにお願いして回ってます。
　メインの俳優以外のエキストラさんが口パク芝居すると、例えば満席で賑わっている居酒屋で主演俳優の声だけが響く奇妙な空間での撮影になります。そうかと思えば急に「このカットはエキストラさん声有りでお願いします！」とか言ったりして、さっきのカットは無しって言ったのにコレはやるんかいって顔されたりします。この辺の差の話を上手くまとめられればと思います。

さて、なんでこんなシチめんどくさい事をしているか、語弊を恐れず言うと

「再現性」ですかね、、、、

　この言葉の意味を説明するにあたって、映像制作の現場に行ったことがない人にも伝えたいなと思うので、ちょっと細かい説明が続きます。分からない所なんかは後でXにリプライでもください。
　
　日本の撮影現場の殆どは、現場を進行しながら録音をある程度のレベルまで成立させる、同時録音(シンクロ録音)を行っています。
　なんや当たり前やんけ、って感じる人もいると思いますが、海外の大規模作品なんかは現場で録る音はガイドで、それに合わせて後でレコーディングする方法が主流の作品も多々あります。
　シンクロ録音ってのは条件が揃わないと成立が難しくて、ノイズが一定以下にならないと使えないことが多い録音方法です。
　例えば、公園で2人が話してるだけのシーンだったとしても、すぐ側で工事をやっていて、作業を止められなかったら、永遠に「ガシャンガシャン！ドガガガガガガ！」て音が入ってしまって遠い目をするしかなくなります。百歩譲ってフレームの中に入れてくれれば「あっていい音」にはなるんですが、シリアスな告白するシーンだったりすると、ああ、もう、オワタ。
　カメラの画角は「写っていないもの」は「この世に存在しないもの」と同義ですが、四方から飛んでくる音の条件を揃えるには半径1Km程度の全方向へのケアが必要で、チームの協力と、周辺住民や施設の方の理解を得られなければならす、時間的にも金銭的にも結構コストがかかります。
　だったら極端な話で、画だけさくっと撮って後で俳優呼んで後録りちゃえばいいじゃんって思ったりしませんか？
　
　そう、アフターレコーディング、アフレコってやつですね。アフレコって聞くと業界人はネガティブに捉えられることが多いかもしれませんので、アフレコの性質にも言及を。

まず、アフレコ=録音失敗ではありません。
　
　まぁ確かに、台詞が聞き取りにくかったり、ノイズが止められなかったりするのでその側面は強いですが、ノイズが入っている音声でも画とマッチングしていれば全く問題ありません。
　むしろ表現として、ノイズを抑えたクリアな音声、例えばだんだんと周りの音が聞こえなくなってきて話し相手の声しか聞こえなくなる、といった表現をやりたい場合や、呼吸が聞こえるようなシリアスな掛け合いにしたい場合などでは外部ノイズを極端に抑える必要があります。また、言葉のニュアンスや台詞自体を変更したい場合などの、クリエイティブなアプローチとしての意味合いが強い、と思ってます。

　説明が続きましたが、一度ここで「再現性」という言葉にもどします。アフレコは万能ではなく、この再現性というのが大変な肝となっています。
　アフレコする時は撮影時からかなり時間が経った後です。なので、俳優部には当時のお芝居の感情や表現を再現してもらう必要性があります。ロケーションの雰囲気や空気感があって、相手役がいて、お芝居の流れがあって、という撮影当時は当たり前にあったものが、ただのスタジオとモニターだけになるわけです。
　その条件下で、走りながらの芝居なら激しいブレスと吐き出す様なセリフをを、少し離れた相手との会話なら遠くに話しかける感じを再現してもらいます。この難易度ゆえに苦手意識を持っている俳優さんは多いです。
　なにより当たり前ですが、俳優部が現場で感情込めた芝居をそのまま使う方が気持ちが乗っています。

　録る側も録る側で難易度はけっして低くありません。ワンシーン全てアフレコなら逆にシンプルな作業になりますが、セリフの一部分であったり、シーンの前半だけだったり部分的な差し替えだとすると、同時録音で録った音との高い親和性が求められます。現場で使ったガンマイクとラベリアマイクを用意し、撮影当時の距離感に配置したりしながら出来るだけ近づけていきます。当然スタジオなので反響感が全く違います。残響感をソフトウェアで、声のキャラクターをEQで微調しながら同録に練りこんでいく作業が発生するわけです。お芝居も画に対してピッタリ当てらる人などほとんどいないので、細かく唇の動きを見ながらセリフを当てて、ブレスのタイミングが不自然にならないように調整するなど、やることてんこ盛りです。
　
　金銭面でも、スタジオを数日抑えなければならず、俳優をはじめ監督各位のスケジュールを抑え、アフレコで増えた作業分の人件費やMAスタジオ代も増えていきます。
　お気づきの方もいるとは思いますが、５０人やら１００人いるエキストラの再現、ぞくぞくしますね。しかもお芝居をあまりしたことない方も大量に含まれていて、かつ撮影現場の感じを何も知らない人たちが来たりします。そういう方達からイメージ通りのガヤを録るのは至難の業です。
　
ゆえに我々は、

できるだけ現場で録りたい！

やっと本筋に辿り着けそうです。

　私の根本的な考え方は「聴かせたい音を効かせるには、何をどれだけ聞かせないか」です(語感は今考えました)。それをベースに、前述した要素を加えて、現場でどういう判断をしていくのか、居酒屋に戻って順番に構造を考えていきます。
　
　むちゃくちゃ乱暴な言い方になりますが話をシンプルにする為に「お客さんは俳優の顔が見たいし声が聞きたい」とします。なので、台本にあるセリフと地の文(ト書き)にに書かれていない音はノイズと一旦考えます。

そうすると、まず考えるべき音の第一レイヤーは俳優部の台詞です。

　メインの俳優部の台詞の中に周りの声やノイズが入り込むと、その声をボリューム調整した時に、その入り込んだ音ごと大きくなり、肝心のセリフが聞き取りにくくなったりします。俳優が喋るたびに後ろの話し声が大きくなったり小さくなったりするとかなり違和感を覚えると思いますし、ノイズが大きくて何言ってるか分からないなんて絶望的です(たまにそういうドラマあるけど)。映画だと再生するスピーカーが巨大なので、それらがより顕著に出てしまいます。
　我々が最も伝えなければいけないのが、この第一レイヤーなので、まずはここをいかに他のレイヤーと分離しながら上手にバランスよく録るかが肝になります。

考えるレイヤーその２は、俳優部が発する音、全般です。（一番以外のレイヤーは説明の便宜上の順番です）

「同じやんけ」というツッコミあるかもしれませんが、居酒屋の例でいうと、食事をする音、ビールを置く音、トイレに立つ足音なんかです。これはフレームの中で行われている時は原則必要な音で、画で捉えている音は逆に聞こえないと不自然になるのでただのノイズから昇格してアクションノイズとなります。
　ただこれも、セリフと被る場合は基本的に制限させてもらっています。後で効果アフレコという作業で全て付け直す事が多いので、無い方が都合がよいです。
　エキストラの皆さんには口パクやパントマイムをお願いするのですが、足音や食器を置く音はどうしても出てしまう部分があるので、お皿やコップなどの食器、役者やエキストラの靴の裏などにクッションを貼ったりして、お芝居が不自然になったり邪魔にならない程度に消音しています。とにかく、セリフに被るノイズを減らしていく作業です。そうする事で、後の仕上げでのボリューム調整が容易になります。

　じゃあ、何を悩む必要もなく全部口パクでやらせとけばいいじゃん！と思った方、正解です。テレビドラマだと基本はエキストラは全部口パクです。俳優の台詞だけ録って、後で別録りした音を乗っければいいだけなので、膨大な量を素早く納品しなければならないテレビドラマの現場では最適解です。ただ、これが映画だと少し事情が変わってきます。
　テレビと劇場の何が違うかというと、スクリーンサイズと音量です。ここでも語弊を恐れず私見を言いますと、テレビってまず爆音で聞きません。大体生活の流れの中で見るし、何かしながらテレビに付属してるスピーカーで聞くことが殆どなので、繊細な表現やリアリティのある表現はあまり重要では無いですし、それが再現できるスピーカーで聴いていない事が殆どです。

　では、映画的なアプローチで口パクの件を説明していきます。画面手前のエキストラさんがお話ししている越しの主人公たちの会話を狙う、ルーズめなグループショットを撮っているとしましょう。手前にいるエキストラの口が明確に判別出来る場合、家庭のテレビだとせいぜい60インチ位の画面のほんの一部なので数cmです。これが映画館のスクリーンだと1mとか2mとかの巨大な口になります。まぁ、座り位置によってはかなり変わりますが。
　流石にこれだけ大きいと明確に唇の動きが意識できるようになるので、気付く人は口と声が合ってないと気になったりします。テレビだと忘れ置いても大丈夫な事も、巨大なスクリーン巨大なスピーカーだと粗だと認識されてしまいます。
　
これを踏まえて三つ目のレイヤー「ガヤ」について言及していきます。

　ガヤは非常に重要な構成要素で、シーンの印象を左右すると言っても過言ではないと思っています。再び居酒屋の例に戻して話を進めます。
　イメージしてみてください。ガヤガヤと騒がしい店内で友達と話す時ってどんなふうに喋りますか？

恐らく普段より結構大声で話したり、話し相手にグッと近付いて喋るのではないでしょうか？

　つまりそれを再現してもらうのがリアリティのあるお芝居です。周りの声を最初っから全てパントマイムにしてしまうと、メインの俳優部もいつも通りの声量や距離感でお芝居してしまい、演技に大きく影響が出てしまったりします。私は経験の浅いボソボソ喋る若手の方に「今エキストラさん静かだから聞こえてるけど、編集ででガヤガヤした声が乗っかるんで、実際はその3倍くらいで喋ってもらえると助かります」と言いに行くことがしばしばです　(言いたかない)。
　がしかし、我々の都合でお芝居を不自然にしてしまっては本末転倒です。あくまでお芝居をどこまで活かせるだろうかという試みだということを踏まえて

1.段取り、ドライでは全員声を出してやってもらう

　当然メインのお芝居をみるのが最優先なので、程度はコントロールしますが、全員でシーンの雰囲気を共有します。ここはうるさい居酒屋なのか、静かなカフェなのか、ピークの過ぎたファミレスなのか、それぞれが持つイメージを演出意図とすり合わせます。きちんと担当演出部と話して、ある程度のレベルまでエキストラを作り込んでもらいます。

2.全体が映る引きの画では全部声ありでやって芝居を固めてもらう

　エキストラが沢山出るシーンの場合、まずは全体が見えるカットから撮ることが殆どです。なので段取りで作りきれなかったエキストラの雰囲気をテストで更に作り込んでもらい、本番でも声を有りでやってもらうことで、練度を上げると共に、我々もガヤの下地を録ります。ここでキャストのセリフに被ってしまっている分は、その後に撮る寄りのカットで周りをパントマイムにすれば十分回収できます(周りのエキストラが殆ど映ってないという想定で)。なお、ずっと寄りの画を撮っているわけではないので、カットごとのフレームサイズで、周りの有無を考えながら進めます

3.特徴的な人が写っていないかに注意する

　例えば、食事を給仕するウェイターや居酒屋店員なんかは「いらっしゃいませ」や「お待たせいたしました」「ありがとうございました」という定型文があるので、口パクにしてしまうと喋っていない事がバレやすいです。あと、グループに後で合流する人とか「おまたせー」って入っていく感じとかは誤魔化しにくかったりします。この人だけやってしまうのは割と有りです。

　少し説明が前後してしまいますが、声のみの収録を「サウンドオンリー」或いは「オンリー」と呼んでます。前述した、ガヤ録りなんかはまさしくオンリーです。ガヤの録り方もいくつか種類があります。業界によっては呼び方が違うので私の界隈で使われている用語として捉えてもらえると助かります。
「なんガヤ」
なんの略称か語源が分かりませんが、何を言っているのか不明瞭なガヤのことを指します。俳優と周りのエキストラとの距離が離れていたり、動き回っていたりして口の動きが分かりにくく特に目立たせる必要のない時のガヤです。
「ツブ」
今度は逆で、便宜上口パクにしてしまったが目立った人がフレーム内にいた場合などに録るガヤです。前述した店員の「いらっしゃいませ」や病院での「〇〇さん診察室へどうぞ」などなど、その場所ならではの声でそれがあるだけで状況が分かる素材です。あとは監督の演出意図でメインキャストの芝居のきっかけとして、強調したい声がある場合も「ツブ」の「オンリー」を録ったりします。
「お誕生日が偶数の方だけ声出してみてください！」
完全にオンリーの時の用語ですが、目的としては声量を半分にしたいという意味です。200人300人が理解できるの共通言語で指示しないと混乱を招き時間を浪費してします。

なお、これらは独立しているわけではなく、基本的には重ねて混ぜて使います。

長々と書きましたが、最後にもう少しだけ。
私は「あとでどういうガヤが必要になるだろうか」と考えながら現場を進行します。エキストラの声を止めさせるのは簡単ですが、やめさせるという事は、後で必ず録ると同意義なので、再現性を担保しなければなりません。なんの考えもなくオンリーを録ろうとすると、エキストラにディレクジョンも出来ませんし、画に対して全然馴染まない雰囲気のオンリーになってしまいます。「そんなもん客はわかんないよ」と思われるかもしれませんが、その一歩先の考えてみたいのです。

　そんなことを言ってみてますが、考え方のベーストして、周りはパントマイムにして後でガヤ収録で成立させるのがタイパもコスパもいいので、基本はこれで良いと思います。ただ、画がより自然になる様な音を組み立てるにはどうしたらいいかを模索していった結果として「あり」だの「なし」だの右往左往をし、私たちはそれに心血を注いでお給金を貰っているわけです。

以上が「再現性」っと表現した理由になります。

読みにくい長文を最後までありがとうございました。ご不明な点はmondやXの方でいつでもご質問などしていただければと思います。また宜しければ応援課金の方よろしくお願いいたします。X@piemori