ターナー展・ターナーが描いた「崇高」―モネとの比較、そしてエリアソンへ

『テート美術館　ターナー展――崇高の絵画、現代美術との対話』（国立西洋美術館）に行きました。

ターナーとモネとの光の対比

3年前に行ったターナー展では、「光」が意味することや作品における役割、「光」の表現が、時代によってどう変わっていったかという切り口の展覧会で、J.M.W.ターナーの作品とともにクロード・モネの作品がありました。

そのときは、まだ、美術館に行き始めたばかりだったので、ターナーを単にモネより先に光を描いた画家としか見ていませんでした。

今回は、ターナーの光の表現はモネとどう違うのか、という視点も加えて鑑賞しました。

（実際にターナー展を見てから常設展のモネの絵も見て比べました）

展覧会に行く前には、家で二人の絵を探し、画像から「色」を抜き去って白黒にしてみたのです。（自分で撮った写真をよく白黒にすることがあるので）

モネの絵を白黒にすると、画面全体が平坦なグレーに染まり、光も、水面の揺らぎも、街の形さえも曖昧になってしまいます。モネは、明暗の強さではなく異なる色彩を隣り合わせに置くことで網膜に光のきらめきを錯覚させていた。（脳の錯覚絵を利用しただまし絵のような？）

モネの光は、色を失うとその光そのもがなくなってしまう。つまり、寒色×暖色という色を借りて、光を表現。そして、白黒にしたときにすべてグレーに近くなるように明度を揃えて描いていたのではないかと思いました。（ちょっと強引かな）

【追記】少し調べたらモネが明度を近づけたのは、空気遠近法や光による物体の境界の消滅を徹底した結果というのがあり、もう少しモネ先生のことを学びたくなりました。

一方、ターナーの絵は、白黒にしてもなお、まばゆい光と深い闇の強烈な明暗差（コントラスト）がくっきりと残ります。明度の差（一番暗いところと、一番明るいところの幅）を限界まで広げ強烈な光を表現していたと思いました。（私は、モネよりターナーの方光の表現の方が、理解しやすいです）

以前のターナー展で、目を閉じても網膜に光が残るような、まぶしい絵という印象が残ったのも、この光の強さによるものだったのかもしれません。

ターナーが光を用いて海や山、船や人を描いたのに対し、モネは「光そのもの」を描き出すために、水辺や睡蓮、積み藁、大聖堂といった風景をモチーフとして借りたのではないか、そんなふうに思わされました。

そんなことを頭に入れながら、今回のターナーの絵を見ていきました。

ターナーもモネも、どちらも写実的に細部を描くことから離れていまますが、特に晩年のターナーは光や大気に包まれ、輪郭線がほどけて世界が形を失っていくように見えるものが多かったです。

モネは細かな色や筆触が集まって、目に映る風景をつくるのに対し、ターナーは、影とそこからまばゆい白のコントラストによって、画面全体・世界のすべてを包み込むような光を描き出そうとしました。

だから、モネの描く光が優しく心地よく感じられるのに対して、ターナーの絵の前に立つと、畏怖の念を抱くほど圧倒されてしまう。この違いは、同じ太陽を光源としながらも、両者の「光」へのアプローチが本質的に異なっていたからに他ほかならないと思いました。

（モネとターナーの比較。モネ、ターナーの絵が全てそうだということではないし、絵画の技術への知識が浅い独断と偏見だと思って下さい）

崇高

会場のターナーの絵の前では、心地よさではなく畏怖の念を抱くことが多く『水のある風景』（1845年頃）のように絵の前で圧倒さてしまうこともありました。

若い頃のターナーは、光の中にある山や人、あるいは物をきっちり描くことで、自然の美しさを客観的に記録していました。

ところが、晩年のターナーは、自然の力を表すために対象物の明確な輪郭にこだわらなくなっていきます。

船や街、空や海は、光と色彩、そして大気の渦の中に溶け込み、形を失うかのように見えます。そこでは、描かれた対象そのものよりも、自然を包み込むような光が画面の前面に現れてくるように感じられるのです。

自然の形を描くことから、自然の力そのものを感じさせる絵画へと進んでいく。徐々に船も海も空も光と色彩の中に溶け込み、自然の巨大さと人間の力では捉えきれない世界が画面に広がっていく…

「崇高」の核心は、荒れ狂う嵐や巨大な氷河といった「自然そのもの」を描くことにあるのではなく、その自然を前にして（私がターナーの絵の前で畏怖を感じたように）、人間が圧倒される感覚を呼び起こすこと。それが、今回の展覧会のテーマである「崇高」の正体ではないかと思いました。

ちょっと箸休め

一見、ターナーの晩年の絵は、抽象画のようで未完成の絵のようだと当時は酷評されたりもしました。

しかしよく見ると、そこにはぼんやりと船だったり岩だったり、小さなイルカや人がいたり…何らかのものが確かに描かれており、それらがフックのように画面を支えることで、抽象画になる一歩手前の絵にとどまっている。抽象画は苦手だが、初期の端正な作品よりそんなターナーの絵が、好きだと気がつきました。

オラファー・エリアソンとの対話

今展は、現代作家との対話ということで、ターナーの作品とともに現代美術の展示が何点かもありました。中でも印象に残ったのが、オラファー・エリアソンの作品です。

以前、オラファー・エリアソンの太古の氷河の氷の小片を置いて、徐々に溶けていく氷が顔料を滲ませていった水彩画を見たことがあります。

今回の展覧会でも、エリアソンは氷河をテーマにした作品を展示していました。

それは、1999年とその20年後の同じ場所を捉えた写真を30組並べたものです。退行した氷河の跡地に駐車場が作られている写真まであり、気候変動が人間活動の結果であること、そして氷河がいまや「人間によって溶かされたもの」であることを突きつけてきます。

ターナーも生涯で6回もアルプスを訪れスケッチし、絵の具を力強く擦りつけたり、指で直接混ぜ合わせたりするような技法も用い自然を人間の力では制御できない、圧倒的な存在として描きました。

ターナーの時代、氷河は人間を圧倒する自然の力を象徴する存在でした。

しかし、エリアソンの作品を前にすると、別のことを考えさせられます。

エリアソンの生きる今は、人間は自然に圧倒されるだけの存在ではなくなった。産業活動などによって気候を変え、その結果、氷河を後退させる側にもなってしまったのです。

そして、今年8月のヒマラヤ山脈のネパールと中国の国境付近で、多くの死傷者や被害を出した氷河崩壊による雪崩もその証明になるのはないか…

わずか200年ほどの間に、人間と自然の関係は大きく変わりました。自然の力に畏怖を感じるだけでなく、人間自身が自然を変えてしまうことへの責任も考えなければならない時代になったのだと思いました。

ターナーは、美しい自然や自然の脅威だけを描いた画家ではありません。

産業革命の時代を生きた彼は、蒸気機関や煤煙、奴隷制の悲惨さ、捕鯨によって命を奪われる鯨、その鯨を解体する人間の生々しい労働など、当時の社会の現実にも目を向けていました。

自然の壮大さを描く一方で、人間の営みが自然や社会に何をもたらすのかという問題も、彼の作品の中には見えてきます。

そう考えると、ターナーとアートを通してエリアソンの作品は、単に自然をテーマにしているというだけではなく、時代を超えてつながっているように思え、ターナーの「崇高」とエリアソンが現代の環境問題を通して問いかける、その対話が、今回の展覧会でとても印象に残りました。