¿Feliz año nuevo?

Aviso a toda la poblacion: el simulacro de paz y amor ha finalizado. Guarden los langostinos, insulte a sus suegros y cuñados y disuelvanse. Otro año será.....

George Lewis

El trombonista, George Lewis (Chicago,1952) comenzó a tocar el trombón a los nueve años estudiando un método del saxofonista, Eddie Harris. Por esa razón, acusa la influencia de músicos como Charlie Parker, o Lester Young, principalmente. En 1971, tomó contacto con la AACM (siglas de la "Association for the Advancement of Creative Musicians") y en particular con Douglas Ewart, a cuyo grupo "Elements" ha pertenecido.

Estudió música con Richard Abrams y cursó la carrera de filosofía en la Universidad de Yale, graduándose en 1974. A principios de los años setenta tocó con los musicos del "Art Ensemble of Chicago" y en 1975 grabó un disco con el cuarteto de Roscoe Mitchell y al año siguiente sustituyó durante dos meses a Curtis Fuller en la orquesta de Count Basie, con la que llegó a actuar en Japón. En febrero de ese año empezó a grabar con Anthony Braxton, que posteriormente lo incorporaría a su grupo. Con él se presentó por primera vez en Europa en el Festival de Moers en junio de 1976 y en noviembre de ese año, grabó su primer disco a su nombre, el excelente "Solo Trombone Album" grabado para el sello Sackville.

Al año siguiente intensificó sus giras y trabajó con el conjunto de Barry Alstchull, donde desarrolló con eficacia su faceta de compositor y sus trabajos derivaron desde entonces, hacia la música electrónica. En Noviembre de 1977 se presentó en el Festival de jazz de Nancy con la orquesta de Sam Rivers y con su propio grupo "Quadrisect". Más adelante trabajó con la pianista y compositora, Carla Bley y con el trompetista, Thad Jones. La década de los ochenta fue un periodo infértil desde el punto de vista de las grabaciones a su nombre y es en la década de los noventa cuando, George Lewis, resurge con fuerza para grabar junto a David Murray, y otros músicos similares.

George Lewis, es un músico versátil, casi desconcertante y uno de los trombonista mas avezados y originales del ultimo cuarto del siglo XX.

Yusef Lateef

El saxofonista, Yusef Lateef (Chatanooga, 1920) es uno de los saxofonistas tenores mas importantes del jazz de la llamada escuela de Detroit. Su capacidad como instrumentista es conocida en los ámbitos musicales de los Estados Unidos y de ello da fé su calidad con la flauta, el oboe y el fagot, instrumentos raros y heterodoxos en la música de jazz.

Yusef Lateef, adoptó ese nombre cuando se convirtió al Islam (su nombre de nacimiento era, William Evans) y intentó, no siempre con éxito, ser un pionero en la tentativa de hermanar el jazz con otras culturas musicales. Sus comienzos fueron en 1946 con la orquesta del vocalista, Lucky Millinder, y terminó la década de los cincuenta - su época dorada- con la participación en los grupos de Hot Lips Page, con el trompetista, Roy Eldridge y en la bigband del genial Dizzy Gillespie.

A principio de los años cincuenta, ingresó para profundizar sus estudios en la Wayne State University. En 1957, inaugura su extraordinaria carrera discográfica en solitario con los sellos, Savoy, Prestige y Riverside, fundamentalmente. En 1960, se acerca a las fuentes del jazz moderno y trabaja con el maestro del contrabajo, Charles Mingus, con el trompetista, Donald Byrd, y entre 1962 y 1964, con el sexteto de Cannonball Adderley. Firma un contrato con el sello Impulse! donde deja entre 1963 y 1966, algunos discos extraordinarios y luego es el sello Atlantic quien lo ficha donde grabaría en 1968, uno de su mejores discos de los últimos tiempos, el magnifico "The Blue Yusef Lateef".

Este extraordinario saxofonista, sigue todavía en activo y en sus ultimas colaboraciones con lo mas granado del jazz moderno como Archie Shepp o el también saxofonista, Von Freeman, así lo demuestran.

Diana Krall

¿Qué día es hoy?

Dave Lambert

Dave Lambert, empezó a estudiar la batería con solo diez años y con ella debutó a finales de los años treinta tocando en el trío de Hugh McGuinness durante los meses de verano en Boston. Cuando se licenció en 1943 inició su carrera de cantante en la orquesta de Johnny Long y de ahí pasó a la orquesta de Gene Krupa, un magnifico baterista de la epoca del swing. Sus pasos en la orquesta le sirvieron para hacerse merecedor de una bien ganada fama de cantante poco ortodoxo, capaz de llegar a registros imposibles para otros compañeros y eso le permitió que en 1945 grabara el primer tema del bebop cantado: "What's This" para la Columbia.

Entre 1946 y 1947 dirigió un cuarteto vocal en un espectáculo de Broadway y grabó junto a la cante Jo Stafford y a su nombre, para los sellos Capitol y CBS. Carmen McRae lo contrató en una ocasión para que arreglaras sus canciones, y ya en 1957, se unió al cantante John Hendricks, iniciando así la etapa fundamental de su carrera en un trío vocal, con el añadido de la cantante inglesa Annie Ross, sustituida en algunas ocasiones por Yolanda Bavan, para conformar el trío fundacional del estilo llamado "vocalese", una genuina forma de canto jazzistico. Ya en el primer tema que el trío cantó fue todo un éxito y para la ocasión escogieron la canción de Jimmy Giuffre: "Four Brothers" y poco después, tras el éxito de ese primer tema, grabaron su primer disco con el sello: United Artist y titulado: "See Lambert, Hendricks & Ross".

El trío estuvo junto hasta 1963, justo antes de que participaran en el Festival de jazz de Newport, ya que Ross por problemas de salud tuvo que dejar su sitio a Yolanda Bavan. Un año después, Lambert abandonó definitivamente el grupo y solo reapareció tres años después de manera efímera al frente de un quinteto. Su alejamiento de la música fue un hecho cuando se dedicó a trabajar como director musical de coros y maestro de ceremonias en eventos de distinto tipo. Dave Lambert fue el primer cantante en ponerle música las canciones del bebop, Hendricks creaba los textos, y también fue capaz de adaptar al canto jazzistico arreglos complejos como los de Count Basie, para trabajarlos en grupo. Su disco "Sing a Song of Basie" es demostrativo de esa facultad.

En 1965 participó con una extraordinaria versión cantada en scatt del tema de Charlie Parker: "Donna Lee" en un concierto en tributo al gran saxo alto de Kansas en New York. Eso fue un año antes de su muerte, cuando en 1966 sufrió un fatal accidente de circulación que le costó la vida.

Steve Lacy

Steve Lacy (New York, 1934), es un instrumentista singular en la historia del jazz. Su instrumento, el saxo soprano, ha sido y es por lo general, un elemento secundario para la mayoría de los saxofonistas, que veían en él algo complementario al sonido de los otros saxos. No obstante, Steve Lacy, es junto con el genial Sidney Bechet y el no menos extraordinario, John Coltrane, uno de los tres mejores saxofonistas sopranos que ha dado el jazz.

Sus comienzos fueron junto al guitarrista de dixieland, Dick Sutton en 1954, un músico que quiso revitalizar ese estilo de los años treinta, pero tuvo la fortuna de conocer al excelente pianista, líder del jazz de vanguardia por aquella época, Cecil Taylor. Con Taylor, Steve Lacy estuvo dos años, entre 1955 y 1957, y su colaboración se cerró ese ultimo año con la actuación en el Festival de jazz de Newport. Tras la experiencia con el pianista, Steve Lacy, conoció al arreglista, Gil Evans con quien permaneció todo el año 1957. Posteriormente perteneció brevemente al quinteto de Thelonius Monk con quien tocó en 1960 durante un periodo de seis semanas. Entre 1961 y 1964, estuvo trabajando con el cuarteto de Roswell Rudd, un trombonista también escorado hacia el freejazz.

Steve Lacy, está considerado como el primer instrumentista moderno del saxo soprano, un músico creativo y con capacidad para crear sonidos y melodías fascinantes. Maestro del solo absoluto, Lacy es uno de los grandes conocedores de la música de Monk, una música que se convertiría en obsesiva para el saxofonista, hasta el punto de que fue un gran investigador de los acordes con los que Monk expresaba sus melodías. En noviembre de 1961, Steve Lacy grabaría para el sello New Jazz una obra maestra absoluta del jazz. El álbum llevaba por titulo una composición de Thelonius Monk, titulada "Evidence" y su éxito se debe, mitad a los temas elegidos - hay dos composiciones de Ellington, y mitad a la configuración del grupo de músicos; Don Cherry a la trompeta, Carl Brown, al contrabajo y Billy Higgins, a la batería.
 

Russell Malone

Es uno de los guitarristas que brilla con luz propia dentro del panorama jazzístico internacional. A sus 44 años, Russell Malone es un claro exponente de que la vía tradicional de la guitarra de jazz sigue por buen camino. Desde su Georgia natal, aunque desde hace 20 años reside en New Jersey, ha conseguido perfilar un estilo labrado a base de escuchar y asimilar a músicos de la talla de Wes Montgomery, Grant Green o el George Benson de sus mejores tiempos. Tanto como líder, arreglista, compositor o como acompañante de lujo de grandes solistas y especialmente cantantes, Russell Malone, siempre con autoexigencia, no ceja en el empeño de mejorar y hacer disfrutar al público, sea a través de la decena de trabajos publicados hasta la fecha o de los conciertos en los que suele rodearse de músicos de gran categoría. Nombres como Ron Carter, Kenny Barron, Jimmy Smith, Roy Hargrove, David Sanborn, Benny Green o cantantes de la talla de Natalie Cole, Shirley Horn, Kenny Rankin y sobre todo Diana Krall han recurrido al talento de este excepcional guitarrista.

¿Feliz Navidad?

Prepárense para el período más cínico del año. Se trata de una carrera de obstáculos en la que las barreras arquitectónicas no constituyen el problema. Los enemigos a batir son la gente, las costumbres y la tarjeta de crédito. Como padecemos crisis, no estaría de más que alguno ahorrase palabrería yerma y chupe con su bocaza cabezas de langostinos. La encomienda es por pura supervivencia. En esos días el personal luce su impostura, así que dan ganas de enclaustrarte y tontear con los efluvios del pegamento para desmarcarse de tanta cursilería. Para mí es un misterio por qué todo el mundo comienza a besarte y a desear que tengas un feliz año. Tienen doce meses para demostrar su lado sentimental, pero lo malgastan miserablemente. Hay quien mientras te besa comparte contigo una especie de hojaldre de maquillaje. Por indefensión, en la mejilla derecha te siembran la máscara de Lancôme; en la izquierda, marcas de la competencia, así que toda explicación es poca cuando llegas a casa. Ahora muchos hombres han caído en la cuenta de que besarse no está tan mal visto, por lo cual hay que tener cuidado, pues toda esa coctelería puede conformar una bomba de relojería y tú serías el suicida. Enciendes un cigarrillo y la ignición de ‘aftershave’ y maquillaje podrían trasladar los muebles del salón a Marruecos.

En Navidad puedes ejercitar el francés gracias a la televisión. Es un vocabulario limitado, pero mejor que nada. Los españoles no podemos presumir de políglotas, así que no está de más aprenderse de oído los eslóganes de las colonias. Aunque los locutores los pronuncian de forma tan encriptada que ni siquiera los entienden nuestros vecinos galos. No hay problema: los memorizas y son un potosí para derribar muros en París. Te sientas en un restaurante francés y dices “le parfum de” y enseguida aflora la empatía con el camarero, aunque arrancarle una sonrisa será cuestión de fe. 

En Nochebuena los cristianos conmemoran el nacimiento del hijo de Dios. Según la tradición, nació pobre en un establo. El alumbramiento sucedió hace demasiado tiempo, así que de la austeridad pasamos a la opulencia, en un extraño intento de ser consecuentes y desairar al vástago del carpintero. Ya llegará la cuesta de enero para parecerse a él. Las tarjetas de crédito tienen un grosor de medio milímetro. Cuando finalizan las dichosas fiestas parecen víctimas de la anorexia. Estaban gordas como focas el día quince, pero luego toda esa grasa queda esparcida en insondables recovecos comerciales. Las familias comienzan a hacerse preguntas presas del aturdimiento. Se convierten en funámbulos hasta febrero, un mes en el que la gente ya no te quiere tanto. Quizá quien te besó en diciembre te despida en abril y tu esposa dé un portazo, llevándose su agua de rosas y sus cremas milagrosas hechas con desechos vacunos o placentas latinoamericanas. Lo aconsejable ahora es afilar los codos para hincarlos sin miramientos a final de mes.

Ferenc Snetberger

Nacido en 1957 en Salgotrajan, Hungría, Ferenc Snétberger posee la ciudadanía alemana desde el 1988. De etnia Sinti/Rom, comenzó a tocar la guitarra siendo muy joven. De adolescente estudió guitarra clásica y más tarde ingresó en la Academia de Franz Liszt de Budapest donde asistió a cursos de guitarra jazz, integrando las técnicas brasileñas y españolas a su modo de tocar. 

Con su pasión por el tango, por la música de la India, por Egberto Gismonti, Jim Hall y Johan Sebastian Bach, Snétberger es una de las voces más originales en el campo de la guitarra contemporánea, un virtuoso pionero de rara maestría.

Os dejo una versión más del clásico Autumn Leaves que añadir a la ya extensa colección presentada en este blog, junto a un fragmento de un concierto en el Busdestag de Berlin.

Ana Caram

Ana Caram ( 1 de Octubre, 1958) es una cantante, guitarrista y flautista brasileña conocida por la bossa nova. Caram nació en São Paulo en una familia de raigambre musical. Se graduó en dirección y composición musical en la São Paulo University. Como protegida de Antonio Carlos Jobim, uno de los fundadores del estilo bossa nova , Caram es una mezcla de bossa nova brasileira y jazz americano. Su voz es comparada con la de Astrud Gilberto.

Os dejo ésta versión del clásico Fly me to the Moon.

Kenny Garrett

Kenny Garrett es un verdadero "all star" del jazz contemporáneo. Es el más destacado de los hijos (musicales) de la última época de Miles Davis, su descubridor, y su nombre ya forma parte de la historia moderna de este género. Kenny Garrett nació en Detroit en 1960, donde comenzó desde muy joven a tocar saxo, clarinete y flauta. A finales de los años 70 le invitaron a formar parte de la Duke Ellington Orchestra, dirigida entonces por Mercer Ellington. Con ella celebró giras por todo el mundo y, tras afincarse en Nueva York, participó en las jam sessions de George Coleman y en las big bands de Mel Lewis y Frank Foster.

En 1984 graba su primer disco como líder, junto a Woody Shaw y Nat Reeves, entre otros. Al año siguiente graba un disco dentro del grupo Out of The Blue, con Michael Philip Mossman, Ralph Bowen, Harry Pickens, Robert Hurst y Ralph Peterson, compaginando su trabajo con Freddie Hubbard. Poco después se incorpora al grupo del batería Art Blakey y cinco meses después al de Miles Davis. Garrett ha grabado un gran número de discos como líder y como acompañante de algunos de los más famosos jazzistas de final de sigl"Pursuance",o. Entre sus más recientes grabaciones están un maravillosos homenaje a la música de John Coltrane con Pat Metheny, y "Song Book" con Kenny Kirkland, Nat Reeves y Jeff Watts.
Os dejo una versión del tema de Mal Waldron "Left Alone".

 

Definiciones poéticas

“Fuerza, libertad y belleza” (Juan Ramón Jiménez). 

“Arquitectura extrahumana y ritmo furioso. Geometría y angustia” (Federico García Lorca). 

“Selva de metal y luz y escalofrío” (José Hierro).

"House of the rising sun" Segunda parte

Otras versiones del clásico folk americano, ésta vez de Nina Simone y Robert Zimmerman.

House of the Rising Sun

The House of the Rising Sun (La casa del Sol naciente) es una canción folk de los Estados Unidos. También llamada Rising Sun Blues, narra la vida de alguien que ha tenido poca fortuna en Nueva Orleans (estado de Luisiana). No se conoce el autor. Según la versión, la canción puede ser interpretada desde la perspectiva de una mujer o de un hombre. Las dos versiones más conocidas, que no las mejores, son la del grupo británico The Animals, grabada en 1964, que alcanzó el primer lugar de ventas en los Estados Unidos y en el Reino Unido, y la de Joan Baez, de 1959-60.

Alcanzó el puesto 122 de la lista  Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

Os dejo una excelente versión en directo de, entre otros, Leszek Mozdzer, John Sofield y Steve Swallow.

There is a house in New Orleans
They call the Rising Sun
And it's been the ruin of many a poor boy
And God I know I'm one

My mother was a tailor
She sewed my new blue jeans
My father was a gamblin' man
Down in New Orleans

Now the only thing a gambler needs
Is a suitcase and trunk
And the only time he's satisfied
Is when he's on a drunk

Oh mother tell your children
Not to do what I have done
Spend your lives in sin and misery
In the House of the Rising Sun

Well, I got one foot on the platform
The other foot on the train
I'm goin' back to New Orleans
To wear that ball and chain

Well, there is a house in New Orleans
They call the Rising Sun
And it's been the ruin of many a poor boy
And God I know I'm one

Christian Scott

Christian Scott, también conocido cómo Christian aTunde Adjuah (31 de Marczo , 1983, en New Orleans, Louisiana) es el ganador en el año 2010 del premio Edison Award como Best International Jazz Artist y nominado a los premios Grammy como  trompetista de jazz, compositor y productor.

Massimo Urbani

Saxofonista alto italiano (Roma, 8/5/1957 – agosto 1993). A los once años comienza el estudio del clarinete, que abandona por el saxo alto. En 1971 se inicia profesionalmente en el jazz en Roma con el saxofonista Mario Schiano, con quien colabora durante la primera mitad de los años 70, con él graba “Sud” (1973).

“Mi formación se ha dado de un modo un tanto irregular”, explicaba una vez Urbani, “tocando donde hubiera posibilidad y escuchando de todo: jazz, blues, música comercial y a veces música clásica. Al principio me sentía muy atraído por el blues y el rhythm & blues, pero después he escuchado más jazz, sobre todo por su sonoridad, su fraseo, las improvisaciones de los solistas...”

Paralelamente asiste a las clases de jazz en el Conservatorio de Santa Cecilia, al poco tiempo colabora y graba con el pianista y compositor milanés Giorgio Gaslini con quien tomaba clases en el conservatorio.
En 1974 forma parte del grupo Area, después entra en el quinteto del trompetista Enrico Rava (1974/1978)

“Para mí, inicialmente como tocar el cielo”, recordaba Urbani sobre aquella época, “pero tras poco tiempo mi entusiasmo se desvaneció porque me daba cuenta, cada día que pasaba, de mis limitaciones instrumentales, y sobre todo armónicas. Fue una experiencia que me llevo a una crisis de identidad que me permitió ver más claro mi futuro como músico”.

Mientras toca con el grupo Anamorfosi (1975), con el pianista Gaetano Liguori (“Collective Orchestra”, 1976) y con Cadmo (Flying Over Ortobone Mount In July seventy Seven”, 1977). A fines de los años 70 forma un grupo que se exhibe principalmente en el festival de Umbria Jazz. A continuación no deja de ocupar la vanguardia de la escena italiana tanto en calidad de líder como en diferentes formaciones, por ejemplo, el cuarteto del pianista Enrico Pieranunzi.

Urbani fue uno de los más brillantes músicos modernos del jazz italiano y uno de los mejores discípulos de Charlie Parker, aun cuando la ultima evolución de su estilo tuviera en cuenta tanto a Albert Ayler como a John Coltrane. 

Blue Monk

Thelonious Monk, un genio musical que cambió el concepto del jazz as pesar de su tortuosa vida debida a un comportamiento extraño y errático causado por (escoja una o más) enfermedades mentales, drogas ilegales, medicamentos recetados por psiquiatras sin escrúpulos o simplemente incompetentes, LSD, peyote, etc....
Os dejo una de sus composiciones "Blue Monk" que se ha convertido en todo un clásico.

Lorez Alexandria

Lorez Alexandría, podía haber sido una de las numerosas seguidoras de la gran Dinah Washington. La educación familiar y juvenil en la iglesia y los once años que se pasó en diferentes coros de gospel, así lo hacía suponer. Pero Dolorez Turner - su verdadero nombre- siempre abominó de los marienismos gospel y soul en el jazz. Su feeling es indiscutiblemente negro y la influencia de Sarah Vaughan, terminó de amoldar su expresión gutural hasta pulirla de elementos intrascendentes.

Entre 1957 y 1964, grabó cuatro álbumes para la casa King, otros cuatro para el sello Argo y finalmente dos para el sello, Impulse. Este periodo es su época mas floreciente. Siempre estuvo bien acompañada por el trío del pianista, Ramsey Lewis y músicos de la orbita de Count Basie, como Newman, Foster, Wes y Green. También con el trompetista, Howard Mcghee y el contrabajista, Israel Crosby.

Estuvo retirada de los escenarios durante mas de diez años y volvió en 1977 a los estudios para grabar varios discos con el sello Discovery, dedicados íntegramente a la música de Johnny Mercer acompañada del omnipresente, Houston Pearson, el contrabajista Ray Drummond y el batería Kenny Washington. Lorez Alexandría falleció cuando su estrella volvía a relucir con fuerza producto de su calidad para el canto y la experiencia y madurez adquirida.

 

Frank Rosolino

Frank Rosolino (Detroit, 20 de agosto de 1926 - Los Angeles, 26 de noviembre de 1978) fue un trombonista y cantante de jazz estadounidense. Se suicidó tras haber disparado a sus dos hijos, uno de los cuales murió.

Comienza su actividad profesional, en 1946 en las bandas de Bob Chester, Glen Gray y Gene Krupa, entre otros, hasta que forma su propio combo (1951). Después se enrola en la big band de Stan Kenton, con el que gira por Europa. En 1954, se instala en California, trabajando en los estudios de Hollywood y en las sesiones del club Lighthouse, en Hermosa Beach, convirtiéndose en uno de los trombonistas más reputados del West Coast jazz. En los años 1970, realiza numerosas giras por Europa y Japón, y trabaja con grupos como Supersax, y músicos como Benny Carter. En 1978, tras una gira europea, entra en una profunda depresión que acaba con su vida. Rosolino realizó grabaciones con casi todos los músicos importantes de la época: Pérez Prado, Elmer Bernstein, Howard Rumsey, Buddy Rich, Max Roach, Barney Kessel, Richie Kamuca, Bill Holman, Conte Candoli, Terry Gibbs, Ray Charles, Shelly Manne, Dizzy Gillespie, Quincy Jones... además de participar en numerosas bandas sonoras. Poseedor de un técnica brillante y una improvisación muy expresiva, se expresaba en un lenguaje claramente surgido del bebop, con un estilo de vibrato influido por Bill Harris.

David Sánchez

David Sánchez, es uno de los saxofonistas de jazz contemporáneo con mas renombre en los Estados Unidos. En 1991, antes de cumplir 23 años, Dizzy Gillespie, lo invitó a integrarse a la United Nations Orchestra, ilustre grupo que convocaba a los mejores músicos de jazz de los cinco continentes; y aunque Sánchez era el más joven de la orquesta, en su currículum ya aparecían participaciones con Miriam Makeba, Paquito D’Rivera, Hilton Ruiz, Eddie Palmieri, Claudio Roditi, Larry Ridley Jazz Legacy. Tras la retirada de los escenarios de Dizzy en 1992, David Sánchez, tocó con pesos pesados del jazz como Kenny Barron, Charlie Haden, Roy Haynes, Elvin Jones, Steve Turre, Gonzalo Rubalcaba y McCoy Tyner.

Además de haber sido seleccionado por Slide Hampton, para tocar con la orquesta: "The Jazzmasters" en 1992, en 1993, Sánchez firma con Sony Music para grabar con su propio grupo. Hasta la fecha ha grabado seis discos, todos ellos para "Sony-Columbia" y en los que han colaborado nombres ilustres como Danilo Pérez, Tom Harrell o Leon Parker. A su debut como líder en Columbiaen 1994 con el álbum: "Sketches of Dreams", le siguieron "The Departure", (1995) y "Street Scenes" en 1996. Su disco "Obsesión" (producido por Brandford Marsalis en 1999) y "Melaza" (2000) fueron nominados para los premios Grammy en la categoría de Mejor Disco de Jazz Latino. En 2001 se edita su disco "Travesías", que supone el reencuentro con el saxofonista alto, Miguel Zenón, quien también compuso algunos de los temas originales del disco.

Juntos, David Sánchez y Miguel Zenón, forman uno de los dúos de saxos más potentes de la actualidad, alcanzando una intensidad coltraniana, con líneas melódicas que se cruzan e imbrican a velocidad de vértigo. En su estilo se funden influencias tan dispares como las de John Coltrane, Sonny Rollins o Dexter Gordon, el hardbop con elementos de las vanguardias de los sesenta. Una de las cosas que más llama la atención en la música de David Sánchez, es su huida de los clichés del llamado "jazz latino", buscando siempre soluciones armónicas y rítmicas originales y descolgándose, de vez en cuando, con homenajes tan impredecibles como la versión de "Prince of Darkness" de Wayne Shorter, que aparecía en "Travesías". Uno de sus últimos trabajos destacados ha sido la colaboración en le disco liderado por el contrabajista, Charlie Haden, titulado "Nocturne".

Brad Mehdau

Brad Mehldau nace en 1970, en Jacksonville, Florida y desde niño inicia sus estudios de música clásica. Más tarde en plena adolescencia descubre los sonidos del jazz escuchando a Miles Davis y Bud Powell. Se traslada a Nueva York donde estudiará piano con grandes maestros, entre ellos, Jimmy Cobb quién adivinando el talento del joven pianista lo integra en su banda: Cobbs' Mob. Su nombre comenzó a ser conocido internacionalmente como miembro del cuarteto de Joshua Redman, con quien grabó el disco: Mood Swing y al que acompañó en gira por Estados Unidos y Europa durante año y medio. En 1994 graba su primer disco titulado: When I Fall in Love bajo el nombre de Mehldau & Rossy trío para Fresh Sound Records; al año siguiente y ya bajo su personal liderazgo, crea su propio trío con Larry Grenadier, al contrabajo, y Jorge Rossy a la batería lanzando su disco de debut como líder: Introducing Brad Mehldau. Su segundo álbum: The Art of the Trío , Volume One (1997, Warner) obtuvo un impresionante recibimiento entre la crítica, lo que propició extensas giras internacionales. Como su propio título anunciaba, al primero siguieron entre 1997 y 2001 otros cuatro volúmenes de una serie que se ha convertido por derecho propio en el mejor trabajo pianístico de jazz contemporáneo.

En 1999, grabó Elegiac Cycle, un trabajo de piano sólo donde Mehldau dio libertad a su faceta de compositor con una serie de elegías impregnadas de clasicismo y una atmósfera bella y misteriosa. A continuación llegó quizás el único borrón de su carrera con el disco: Largo (2002), donde Mehldau reelabora temas del repertorio de The Beatles, Antonio Carlos Jobim o Radiohead. En 2003, graba el que hasta el momento es su último disco: Live in Tokio, un álbum que reconcilia al pianista con sus seguidores jazzisticos y que musicalmente supone una confirmación del estilo desarrollado por Mehldau en sus trabajos con el trío y muy especialmente del trabajo de "Elegiac Cycle". Grabado en directo en el Sumida Triphony Hall de Tokio, el 15 de Febrero de 2003, el pianista utiliza un sinfín de texturas sonoras desplegadas a lo largo de todos los registros del piano y utilizando incluso los pedales.

Brad Mehldau combina la sofisticación de un aprendizaje clásico con una profunda sensibilidad jazzística, influenciado por músicos como Franz Schubert, Keith Jarrett o Bill Evans. Su técnica, a la vez que la poesía y lirismo que expresa en sus interpretaciones y composiciones, se ha ganado el respeto y admiración unánimes de la crítica y el público. Desde la aparición del primer volumen de la serie "The Art Of The Trío" la proyección de Brad Mehldau como uno de los grandes músicos aparecidos en los últimos tiempos no ha cesado de crecer logrando la poco frecuente unanimidad de crítica y público. El joven pianista atesora algunas de las mejores cualidades de los grandes maestros, como esa profunda contención bajo la que sólo se vislumbra su apabullante técnica, esa que le permite crear una increíble polifonía en los momentos más vibrantes de sus conciertos.

Os dejo una versión del bolero "Tres palabras" compuesto por el cubano Osvaldo Farrés, otra del "Hey You" de Pink Floyd, y por último "She's Leaving Home" de Beatles.

Steve Kuhn

El pianista, Steve Kuhn, comenzó a estudiar el instrumento a los cinco años tomando lecciones de una concertista clásica. Después de tocar cuando joven en algunos locales de Boston, empezó su carrera profesional al lado del maestro del saxo tenor, Coleman Hawkins, Chet Baker y Vic Dickenson. Se diplomó en música en la Universidad de Harvard y después ingresó en la célebre escuela de Lennox donde se encontró con George Russell, John Lewis, Ornette Coleman y otras grandes promesas del jazz que por aquel entonces iniciaban su carrera profesional en el devenir del jazz moderno.

A principios de los años sesenta, y después de una brevísima colaboración con John Coltrane, formó parte de los grupos de Kenny Dorham, Stan Getz y Art Farmer, liderando por primera vez una formación en la que estaba el baterista, Pete La Roca y el bajista, Steve Swallow. A principios de 1970 se trasladó a Europa, concretamente a Suecia, donde tocaba muy a menudo con dos pesos pesados en el jazz del viejo continente: Palle Danielsson y John Christensen. Antes, en 1967, había grabado una obra maestra con composiciones de Gary McFarland titulado: "October Suite" (Impulse) que le supuso el reconocimiento internacional de la critica especializada. Con una formación plenamente consolidada, y el prestigio ganado tanto en América como en Europa, Steve Kuhn desarrolló durante el ultimo cuarto del siglo XX una actividad jazzistica incesante; sus discos fueron saliendo de manera regular en los sellos: ECM (1974-1981); OWL (1986-1989); Concord Jazz (1990-1992) y Reservoir Records (19980-2000).

El 18 de Enero actuará en la Fundación Botín de Santander. Allí estaremos si causas mayores, cómo por ejemplo la destrucción del mundo anunciado por los Mayas no lo impiden.

    

Gene Krupa

El baterista, Gene Krupa (1909-1973), poseia un sentido innato del espectáculo, y eso en la era del swing, vendía muy bien. Con una audiencia totalmente entregada y enfervorizada en los míticos salones de baile, por la forma de tocar de Krupa, este extraordinario músico fue uno de los grandes instrumentistas de la era del swing, y desde luego el primer batería de renombre en la historia de esta música.

Su primera sesión de grabación fue en 1927 con la Mckenzie-Condon Chicagoans, una bigband con quien grabó varios temas hasta bien entrada la década de los treinta. En 1934 se enrola en la gran banda del clarinetista, Benny Goodman, con quien escribiría los mejores años de su carrera musical. En el seno de la orquesta de Goodman, Gene Krupa, puso en practica todos sus recursos de excelente baterista y era espectacular verle en acción. Su participación con Benny Goodman, no se limitó al seno de la gran orquesta de swing, sino que junto a músicos enormes como el vibrafonista, Lionel Hampton, o el pianista, Teddy Wilson, participó en las famosísimas sesiones del clarinetista a trío o cuarteto que la radio americana difundía por toda Norteamérica.

Su fama creció como la espuma y después de dejar a Goodman -con quien grabó el famoso concierto del Carnegie Hall en 1938- formó su propio grupo con la presencia estelar del trompetista, Roy Eldridge y la cantante blanca, Anita O'Day. Gene Krupa contribuyó enormemente a popularizar la batería en el mundo del jazz, llegando incluso a protagonizar una película titulada "Ball of Fire" del director, Howard Hawks, en la que se le vio interpretando un solo de batería, con una caja de cerillas y un par de fósforos...increíble, pero cierto.

Gene Krupa, fue grande incluso fuera de época. En 1956, el productor, Norman Granz, a la sazón, dueño del sello Verve, reunió en estudio a figuras legendarias del swing y le encargó a Krupa que liderara el proyecto. Aquella superproducción musical, reunió a figuras como Jay Jay Johnson al trombón, Roy Eldridge a la trompeta y Anita O'Day en el canto. El disco resultante fue editado por Verve bajo el titulo de "Drummer Man" y su swing relajado, pero intenso, alcanzan un gran nivel. Krupa continuó con la organización de Norman Granz bajo el circuito del JATP durante toda la década de los cincuenta e incluso los primeros años sesenta.

Columbia en 1959, hizo la película "The Gene Krupa Story" sobre la biografía del fenomenal baterista. El papel de Gene Krupa lo interpretó, el artista, Sal Mineo. Gene Krupa, quien anteriormente tuvo problemas con la policía por consumo de droga - fue arrestado y condenado levemente- falleció en Octubre de 1973.

 

Karin Krog

La cantante noruega, Karin Krog, nació en Oslo en 1947. Debutó en 1964, participando en festivales de Jazz en toda Europa. En 1967 se trasladó a USA, donde cantó con la orquesta de Don Ellis y el trío de Clare Fischer en Los Ángeles en 1967. Durante la Exposición Mundial de Osaka, en Japón, realizó varios conciertos con la "European All Stars". Entre 1970 y 1972 actuó en los Estados Unidos, primero en una gira de la "State Grant Study", y luego en el Festival de la Juventud de la Universidad de Illinois. Posteriormente en 1975, volvería a los Estados Unidos para grabar y actuar en Hollywood. Ha realizado giras por todo el mundo, siendo acompañada por Dexter Gordon, Archie Sheep y muchos de los mejores exponentes del Jazz europeo. En 1969, la revista norteamericana especializada en jazz, "Down Beat" la proclamó en una de sus encuestas como la mejor cantante de jazz europea, recibiendo el premio d ela critica.

En 1971, en Japón, su canción "Some Other Spring" incluida en el disco grabado con Dexter Gordon, sería proclamada mejor canción de jazz del año. Cantante de finísima calidad, su ídolo fue Billie Holiday.

Diana Krall

La cantante-pianista canadiense, Diana Krall, es hoy sin duda alguna, la voz más mediatica del jazz en este siglo XXI.

Educada musicalmente en su ciudad natal de Nanaimo, su primera clase de piano clásico la tomó cuando tenía 4 años, y en el instituto donde estudia, forma parte de una banda de jazz, y emula a su padre al tener una gran colección de grabaciones para piano. El padre de Diana Krall es la principal influencia de esta mujer a la hora de decidir hacer jazz.

Krall, se traslada al Berklee College of Music con una beca a principios de los años ochenta, viaja posteriormente a Los Ángeles, donde fija provisionalmente su residencia durante tres años antes de volver a Toronto. En 1990 se asienta en Nueva York, donde toca con un trío a la vez que canta. Su primer álbum con el sello Justin Time Records, "Stepping Out" fue un extraordinario debut que hacía presagiar un prometedor futuro. Diana Krall, firma con GRP para grabar su segundo trabajo, el magnifico: "Only Trust Your Heart" y con Impulse! graba el tercero, un tributo al trío de Nat King Cole titulado "All for You". Este álbum le dio el espaldarazo definitivo en las escena jazzistica y desde entonces, sus discos, con algún pequeño altibajo, son de una brillantez inigualable entre las cantantes vivas de jazz.

Se consolida cuando en 1977, graba "Love Scenes", un extraordinario registro exquisitamente jazzistico. Tras un breve desliz hacia el comercialismo - decide sacar un disco de canciones navideñas, al estilo de Bing Crosby o Frank Sinatra- graba el extraordinario: "When I Look in Your Eyes", un álbum con el que se presenta al Festival de Jazz de San Sebastián de ese año y que tiene la virtud de romper las barreras minoritarias del jazz para llegar al gran publico, convertirse en un "superventas" de éxito, y todo ello sin renunciar al canto jazzistico. Con este disco, Diana Krall, ganó en 1999, un premio Grammy al mejor disco de jazz. Tras este enorme éxito, la cantante canadiense obtuvo patente de corso de su productor y manager para sacar al mercado el disco menos jazzistico de su breve, pero espléndida carrera, y sin embargo el que mas éxito comercial obtuvo en su época. Tanto que estuvo pujando por el ser el mejor disco del año 2000, en todas las categorías y estilos. "The Look of Love" fue un disco mediocre que hacia presagiar un escorzo de la artista hacia latitudes musicales mas onerosas económicamente y de mas éxito comercial.

Su siguiente disco desmintió todos los temores y Diana Krall sacó un "Live in Paris" inconmensurable, lleno de swing, de belleza y de las mejores dotes artísticas de una gran cantante de jazz. Sus seguidores esperan impaciente la salida al mercado de su siguiente disco grabado en Mayo de 2003 para Verve, titulado "One Night in Paris". 

Os dejo un vídeo junto al director y arreglista Claus Ogerman .

   

Dave Brubeck RIP

Fallece a los 91 años Dave Brubeck, leyenda del jazz

Dave Brubeck

El pianista Dave Brubeck, uno de los más famosos e influyentes músicos de jazz de todos los tiempos, ha muerto hoy, justamente un día antes de su 92 cumpleaños, en el hospital de Norwalk en Connecticut, según ha informado su representante y productor Russell Gloyd.

Célebre sobre todo por el trabajo desarrollado en los cincuenta y sesenta al frente del cuarteto que colideró con el saxofonista Paul Desmond. Compuso o interpretó canciones inmortales, como Blue Rondo a la Turk, In your own sweet way o, sobre todo, Take five (escrita por Desmond), que convirtió el álbum del mismo nombre, publicado en 1959, en uno de los más vendidos de la historia del género. El tema devino rápidamente en todo himno popular estadounidense, que lo mismo se empleó para sintonías televisivas que para multitudinarios eventos deportivos.

Representó un cierto acercamiento intelectual a la composición de jazz, para lo que a menudo empleó patrones rítmicos propios de otras músicas, como 5/4 o 9/8 (llegó a experimentar con un 11/4, e incluso un 13/4). Nacido en California, alcanzó notoriedad como parte de la generación de músicos blancos que desde la Costa Oeste ofrecieron un contrapunto más fresco y luminoso al imaginario nocturno y dependiente del blues de las escenas de ciudades como Nueva York o Filadelfia.

Su primer público fiel fue precisamente el de las universidades, donde grabó algunos de sus primeros discos para el sello Fantasy, antes de convertirse en 1954 en el primer músico de jazz moderno en aparecer en la portada de la revista Time. Impulsos como este hicieron de él también el primer intérprete en vender un millón de copias de un disco.

Los años a caballo entre los sesenta y setenta fueron los de las giras mundiales y los reconocimientos. También, los de cierto acomodamiento a un estilo efectivo y extremadamente exitoso. 

Nunca dejó de componer trabajos orquestales o piezas jazzísticas. Tampoco cesaron las distinciones: Bill Clinton le concedió la Medalla de las Artes en 1994, mientras que Barack Obama fue su introductor en el centro Kennedy. Contaba con una estrella en el paseo de la fama de Hollywood y un Grammy a toda su carrera.

Le sobreviven su mujer, Lola; cuatro hijos y una hija, así como una legión de nietos y nietas.

Iker Seisdedos EL PAÍS

Pete La Roca

Para Pete La Roca, batería y compositor, fallecido el 20 de noviembre a los 74 años, el jazz era una música que aseguraba la sorpresa. Cuando el género le dejó de sorprender, dejó de ser jazz, por eso él dejó de tocar.

No es que La Roca fuese un reaccionario, en los sesenta estaba entre ese grupo de jóvenes músicos que aceleraron el proceso evolutivo de la música. Tenía toda la técnica y el gusto para ser tan famoso como Max Roach, Art Blakey o Elvin Jones. Pero a finales de la década, habiendo conseguido esa reputación con su trabajo junto a Sonny Rollins, John Coltrane y Stan Getz, La Roca se dio cuenta de que la música se estaba encaminando en una dirección con la cual no congeniaba.

Odiaba las restricciones impuestas por los inflexibles ritmos de la fusión con el rock y llegó a encontrar poco satisfactorio el jazz. Por lo tanto, La Roca abandonó la música y trabajó como taxista por las calles de su Nueva York natal durante varios años para mantener a su familia. Parte de sus ingresos los utilizaba también para estudiar Derecho.

Esa formación le fue muy útil un par de décadas después, cuando uno de los pocos discos que se publicaron con su nombre fue reeditado con la firma del pianista Chick Corea, un artista que había ganado fama los años anteriores. La Roca demandó a la compañía discográfica y ganó.

Para entonces, el músico ya había cambiado su verdadero nombre, Peter Sims. Escogió el apellido La Roca cuando tocaba los timbales en una banda latina, en sus primeros años como profesional de la música. El seudónimo le hacía sentir más cercano a sus colegas cubanos y puertorriqueños.

Pero Peter Sims era neoyorquino de pura cepa, nacido en Harlem. Creció en una familia donde su padrastro era trompetista y su tío poseía un local de ensayo donde el joven Pete podía escuchar a músicos como Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Estudió percusión clásica en la Escuela de Música y Arte y más tarde empezó a tocar el timbal en orquestas de Nueva York y con algunas bandas de música latina.

A los 17 años pasó a tocar la batería convencional y ese año consiguió el primer contrato para formar parte de un grupo de jazz, nada menos que con Sonny Rollins. La banda viajó a Europa, donde grabaron un disco, aunque en la mayoría de las canciones el adolescente fue sustituido por baterías de más experiencia.

Poco a poco, más músicos requerían los servicios de La Roca, incluso el mítico John Coltrane le contrató durante 10 semanas para que tocase con él en la Jazz Gallery de Nueva York. En 1960 entró a formar parte de un grupo creado por Slide Hampton, pero no logró atraer la atención esperada. Sin embargo, el nombre de Pete La Roca se iba haciendo cada vez más familiar entre los aficionados a la música jazz, apareciendo en discos de Booker Little, Jacki McLean, Joe Henderson, Charles Loyd, Freddie Hubbard, Art Farmer o Sonny Clark. Los álbumes Footlose yFloater, editados por el sello Savoy bajo el nombre de Bley, mostraron la inventiva y la gran sensibilidad de La Roca en la batería.

En 1965 grabó Basra, esta vez publicado ya con su nombre. Dos años después, Alan Douglas le invitó a componer música para el álbumTurkish women at the bath, título inspirado en una pintura de Dominique Ingres. Con la colaboración del saxofonista John Gilmore, el disco se ha convertido en un pequeño clásico de esta era.

Pero entonces llegó la desilusión que le sacó de la escena del jazz. Tardó varias décadas en reaparecer, lo hizo en 1997, con un grupo llamado SwintTime y grabando un disco, publicado por Blue Note, que era consecuente con su filosofía inquebrantable: “La música es la suma del arco sobre las cuerdas, el aliento a través del metal, dedos de marfil y los mazos sobre el cobre. Todo aplicado por personas reales que se han tomado el tiempo para aprender la habilidad y la magia de la música”.

© Guardian News & Media 2012.

El tema que os dejo "Malagueña" pertenece al mencionado disco titulado "Basra"

Tania Maria & NHOP

Tania Maria & NHOP

Una pianista y cantante brasileira y un contrabajista vikingo, o lo que es lo mismo Tania María y Niels-Henning Orsted Pedersen, en cualquier de los casos, una pareja musicalmente explosiva con una espectacular concepción del ritmo. 

Este tema forma parte de un excepcional disco titulado "Tania Maria in Copenhagen" grabado en 1979.

Stan Kenton

Stan Kenton (1911-1979), evidenció desde pequeño su pasión por el jazz. Sus modelos eran, el pianista, Earl Hines y el saxofonista, Benny Carter, un gran arreglista de la era del swing. Desde 1933, año en que comenzó a trabajar profesionalmente, hasta 1940, anduvo deambulando por distintas orquestas de jazz en diferentes estados americanos, destacándose principalmente en la bigband de Vido Muso, un saxofonista tenor de calidad contrastada.

Cuando tuvo la oportunidad de dirigir su propio grupo, tuvo la valentía de incorporar a una cantante blanca de jazz llamada, Anita O'Day, con la que obtuvo un éxito impresionante, hasta el punto de convertirse en la mejor bigband blanca de su época, al nivel incluso de la del gran Woody Herman. Kenton, al frente de su orquesta, intentó fusionar la música clásica europea y la tradición jazzistica. De ese esfuerzo y enorme trabajo, quedó entre 1947 y 1956, infinidad de discos interesantísimos y de incuestionable sabor jazzistico, y además sacó a la luz, un par de cantantes blancas extraordinarias: la ya citada, Anita O'Day y poco después para sustituirla, a la magnifica, June Christy.

En ese periodo grabó para Capitol, el corpus musical mas interesante de su carrera recogido en varios Lp's y recopilados en un cofre de cuatros compactos reeditados por el sello Capitol en 1994, su "alter ego" fue el arreglista, Pete Rugolo, un músico extraordinario nacido en Sicilia y educado en los Estados Unidos, que cumplió con Kenton, un papel análogo al que hizo, Billy Strayhorn con Duke Ellington. A partir de 1947, en la música de Stan Kenton, hubo de todo; desde el impresionismo debussiano, hasta el expresionismo de Stravinsky, pasando por la grandilocuencia wagneriana e incluso los ritmos y sonidos latinos del cono sur americano.

En 1953, Kenton y su orquesta, viajaron a Europa y aunque el recibimiento en Paris fue extraordinario, la apoteosis de la orquesta se produjo en Dublín, donde hubo incluso manifestaciones publicas de sus fans por las calles dublinesas. En 1958, después de dos o tres años con la orquesta languidecida, un concierto en el "Rendez Vous Ballroom" de la localidad californiana de Balboa Beach, recuperó la orquesta a los niveles de los días de los grandes éxitos. Parecía que Kenton volvía a recuperar el tiempo perdido, pero la deserción de algunos de sus mejores solistas, hizo que aquel lucimiento fuera efímero.

Durante casi veinte años mas, Kenton continuará experimentando y ensayando con su laboratorio-orquesta (en muchas ocasione formadas con músicos recién graduados de la Universidad), los sonidos mas dispares, pero una fractura de cráneo le apartó del jazz, muriendo el 25 de agosto de 1979. Por sus pupitres pasaron la flor y nata del jazz de la Costa Oeste americana: Conte Candoli, Art Pepper, Zoots Zims, Shelly Manne, Mel Lewis, Bud Shand etc, etc.

Hoy a Stan Kenton, con la perspectiva que da el tiempo, se le reconoce la capacidad para generar espacios creativos, creador de sonidos nuevos y haber sido un líder de orquesta carismático e inventivo.

El supuesto origen de "Don't Explain"

"Don't Explain" es una canción escrita por Billie Holiday y Arthur Herzog Jr. 

Se dice que Billie escribió la canción después de que su entonces marido Jimmy Monroe, llegara una noche con manchas de carmín en su corbata...