ゴッホ展①ゴッホの発明とは何だったのか――世界の「現れ方」を描いた画家

はじめに

先日、東京都美術館で開催されているゴッホ展を訪れました。
本稿は、その展示を観て感じたこと、考えたことをもとにした感想と評論です。

展示をひと通り見終えたあと、私の中に残ったのは
「ゴッホは、いったい何を描いた画家だったのか」という、ごく素朴な問いでした。

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私たちが知っているゴッホ像

フィンセント・ファン・ゴッホという画家について、ご存知の方はある程度共通したイメージを持ってると思います。

孤独で、貧しく、精神的に不安定で、
耳を切り落とす事件を起こし、生前はほとんど評価されることなく、37歳で亡くなった画家。

いわば、「不遇の天才」「狂気の画家」という物語です。

それは決して間違いではありません。
実際、ゴッホの人生は困窮と不安に満ちており、生前に売れた絵もごくわずかでした。

ただ、その物語があまりに強いために、
私たちは知らず知らずのうちに、
ゴッホの絵を「感情の吐露」や「内面の叫び」として、最初から見てしまっているのではないか。
今回の展覧会を通して、私はそんな違和感を覚えました。

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ゴッホは「感情」を描いたのではない

展示を見進めるうちに、次第に強くなっていった感覚があります。

それは、
ゴッホは感情を描いた画家でも、
内面をそのまま吐き出した画家でもないのではないか、ということです。

彼が描こうとしたのは、
「自分が何を感じているか」よりもむしろ、
世界が、どのようにこちらへ迫ってきたのか、
どのような仕方で、世界が立ち現れてしまったのか、
その瞬間そのものだったのではないかという点です。

色や線は感情の記号ではなく、
世界がそう見えてしまった、その「現れ方」の痕跡だったのではないか。
そんなふうに私は感じたのです。

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本稿で考えたいこと

本稿では、ゴッホの技法や作風を、いったん「印象派」という枠組みから切り離し、
彼の表現の核心にあったもの──
言い換えれば、ゴッホの「発明」について考えてみたいと思います。

• ゴッホは、何を新しく描いたのか
• なぜあの色彩と筆触が必要だったのか
• それは「表現」だったのか、それとも世界への応答だったのか

また、ゴッホ展については3記事構成で考えており、2記事目では今回の展覧会がどのような意図で構成されていたのか
3記事目では以前評論したミロやピカソといった他の画家との違いも視野に入れながら、考察を進めていきます。

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ゴッホ以前の西洋絵画

印象派とは何だったのか

ゴッホを語る前に、避けて通れない前提があります。
それは、西洋絵画が長い時間をかけて「何を描こうとしてきたのか」という問いです。

ルネサンス以降の西洋絵画において、絵画とは基本的に
「世界をいかに正しく、説得力をもって再現するか」という営みです。

遠近法によって空間は統御され、
解剖学によって身体は理想化され、
光と陰影は三次元的リアリティを保証するために用いられました。

そこでは、世界は秩序立ち、主体は安定し、
絵画は「見る者にとって分かりやすい」ことが前提とされていたのではないかと思います。

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印象派の登場――「正しさ」からの逸脱

19世紀後半、そうした前提に揺さぶりをかけたのが印象派と呼ばれる画家たちです。

モネ、ルノワール、ピサロ、シスレー。
彼らが挑んだのは、「何を描くか」ではなく、
「どのように見えているか」でした。

たとえばモネの連作は、
同じ対象を、時間・天候・光の違いによって描き分けました。
そこにあるのは、対象そのものよりも、視覚の変化、感覚の揺らぎです。

印象派にとって世界とは
固定された実体ではなく
刻一刻と変化する光と色の集合でした。

この点において、印象派は
「客観的世界」を描く写実主義から一歩離れ、
知覚そのものを主題化した最初の運動だったと言えます。

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それでも印象派は「世界の内部」にとどまっていた

しかし、ここで重要なのは
印象派が決して「世界そのもの」を壊したわけではない、という点です。

モネやルノワールの絵は
たしかに輪郭は揺らぎ、筆触は分割されています。
ですが、それでも世界は美しく、調和的で、どこか安心できる

-世界は変化するが、崩壊はしない
-主体は揺れるが、解体されない

印象派の世界には、まだ
「世界は理解可能である」という前提が残っています。

光はまばゆいが、暴力的ではない
色彩は豊かだが、不安を呼び起こすことは少ない

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ゴッホは、印象派の“内部”から外へ出た

ゴッホは、この印象派的技法を受け取りながら、
その内部にとどまることができなかった画家なのでは無いかと思います。

彼もまた、筆触を分割し、色彩を解放し、印象派的な表現を用いました。

しかし、彼の絵にあるのは
「美しく変化する世界」ではありません。、

そこにあるのは、
迫ってくる世界
圧倒してくる自然
主体の輪郭を溶かしてしまう現実です。、

印象派が「見ること」を更新したのだとすれば、
ゴッホは「生きてしまうこと」の過酷さを描きました。

この地点で、ゴッホは
印象派の延長線上にいながら
同時にそこから決定的に逸脱しています。

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ゴッホは「次の問い」を描いた画家だった

印象派が問うたのは、
「世界はどのように見えているか」と先ほど書きました。

しかし、ゴッホが突きつけたのは、
「世界は、なぜこれほど強く私たちに現れてしまうのか」
です。

そこでは
世界と主体の境界は曖昧になり
見ることは、感じることへ
感じることは、生きることへと接近していく

ゴッホは、印象派を手段として通過し
その先で、世界と主体の関係そのものを描こうとした画家だったのではないでしょうか。

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1. ゴッホの発明①世界を「感情」ではなく「現象」として描く

ゴッホの絵を前にして、誰もが一度は奇妙な違和感を覚えたことがあると思います。
例えば
• 空が緑色に見える
• 夜なのか昼なのか判然としない
• 色彩が現実とかけ離れている
• どこか不安で、落ち着かない

これらはしばしば、「感情的」「主観的」「デフォルメされた表現」として説明されてきだのではないかと思います。
ゴッホの内面が、激しい感情となって画面に噴き出したのだ、と。

しかし、今回の展覧会で展示されていた初期の写実的な作品や、確かなデッサン力を持つ習作群を見ていると、その説明にはどうしても違和感が残ります。

(展示会2章でこの絵を見た時、マジで痺れませんでした？並んでいた他の絵と比較してうますぎる!!)

ゴッホは、描けなかった画家ではありません。
写実を捨てざるを得なかった画家でもありません。

それでも彼は、あの色を選び、あの筆触を選び続けたのです。

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「主観的」なのではなく、「そう見えてしまった」

ここで重要なのは、
ゴッホの絵が「感情を投影した世界」なのか、それとも「見えてしまった世界」なのか、という点である。

ゴッホにとって世界は、安定した客観的対象ではなかった。

太陽は、ただそこにある天体ではない
圧として、重量として、こちらへ迫ってくる存在でした。

空は、単なる背景ではない
地上と同じ強度を持ち、同じリズムでうねり、蠢くものでした。

人物はしばしば画面の中心に置かれるが、
その輪郭は背景と溶け合い、世界の中に吸収されているような。

そこには、「私が世界を見る」という構図よりも、
「世界が先にあり、そこに私が巻き込まれていく」という感覚があります。

ゴッホの色彩は、感情の象徴ではない。
むしろ、世界がそう立ち現れてしまった結果としての色なのではないか、そう私は感じました。

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内側と外側が反転する地点

一般に、表現主義的な絵画は「内面→外界」への投影として理解されているのではないかと思います。
しかし、ゴッホの絵を見ていると、その方向が逆転しているように感じられました。

世界が先にあり、
その強度やうねりが、主体の内側にまで流れ込んでくる

だからこそ、ゴッホの「内面」と「外界」は分離されない
彼の内側とは、世界がそのまま流れ込んだ場所にほかならないのではないかと。

ゴッホの内側＝世界なのである。

そのため、彼の絵は自己中心的でありながら、同時に自己を超えて広がっていく
中心はある
だがその中心は、世界に溶け、拡散していく

ひまわりの背景が黄色であることの「奇妙さ」も、この地点において理解できます。

中心となるモチーフが、背景と同じ色を持つ
それは強調であると同時に、同一化でもある

世界と対象の境界が、溶け始めているのだ

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ゴッホの発明とは何だったのか

ゴッホの発明は、
• 世界を再現したことでもなく
• 内面を表現したことでもなく

世界が、どのような仕方で現れてしまったのか
その「現象そのもの」を描いたことだったのではないかと思います。

それは印象派的技法の延長に見えながら、
実際には、印象派がまだ踏み込んでいなかった地点に足を踏み入れていると。

世界を見る主体と、見られる世界が、まだ分離しきっていない地点
そこでゴッホは、絵を描いたのです。

この「現象としての世界」を描く態度こそが、
後の表現主義とも、シュルレアリスムとも異なる、
ゴッホ固有の場所だったのではないでしょうか。

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2. ゴッホの発明②印象派的技法は、目的ではなく手段だった

ゴッホは印象派の文脈で語られることがあると思います。
時代もさることながら、短い筆触、原色に近い色彩、輪郭の曖昧さ
技法的な特徴だけを見れば、確かにその系譜に位置づけることは容易です。

しかし、ここで一度立ち止まる必要があります。

印象派が追求したものは何だったのか
それは「光の変化」であり、「視覚の瞬間性」でした。
移ろう光、反射、空気感──
世界をどれだけ新しく、どれだけ正確に“見る”ことができるか。
印象派の革命性は、視覚の更新にあったのです。

その意味で、印象派は間違いなく美術史における大きな革命です。
写真の登場以後、写実の役割が揺らぐ中で、
「見ること」そのものを問い直した功績は計り知れません。

ですが、ここであえて主観を述べるならば、
印象派は芸術の表現技法としては革新的だったが、
芸術が本来持ちうる「自明性の破壊」──
つまり、私たちが世界を当然のものとして受け取ってしまう感覚そのものを壊す力は、
必ずしも強烈ではなかったのではないか、と私は考えます。

印象派の絵は美しい
だが多くの場合、その美しさは「世界を心地よく更新する」方向に働きます。
世界が揺らぐというより、洗練されるに近いです。
見る主体の内面が壊されるというより、洗われる、救われる等

一方で、ゴッホの絵から伝わってくるのは、
光のきらめきよりも、世界の重さや圧力です。、

空はきらめくのではなく、うねる
風景は軽やかではなく、身体にまとわりつく
色彩は快楽ではなく、時に不安や違和感を伴って迫ってくる

ここに、印象派との決定的な差異があります。

ゴッホにとって印象派的技法は、目的ではありません。、
「光を描きたい」「視覚の瞬間を捉えたい」という欲望のための技法ではありません。

むしろそれは、
「この世界を描くには、従来の写実では足りない」
という切実な必然から選び取られた手段だったのではないでしょうか。

事実、オランダ時代のゴッホの写実力は非常に高いです。(先ほどの防水帽を被った漁師の顔)

陰影、構造、量感──
どれをとっても、基礎能力の不足を感じさせるものはありまけん。
デッサン力においても、彼はすでに十分すぎるほどの水準に達していました。

だからこそ、パリ以降の筆触や色彩は
単なる技術的な「進歩」でもなければ
感情が抑えきれなくなった結果でもなく、

それは、
世界がそう見えてしまった以上、そう描かざるを得なかった
という選択の集積だったのではないかと思います。

印象派的技法は、ゴッホにとって表現の到達点ではありません。
世界を描くために、一度通過され、拡張され、
そして別の地点へと押し出されていった手段だったのです。

この点において、ゴッホは印象派を「完成させた」のではなく、
その技法を使い切り、超えていった画家だったと言えます。

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結──ゴッホは何を発明したのか

今回のゴッホ展を通して強く感じたのは、
ゴッホが実は「感情を描いた画家」でも、「内面を吐露した画家」でもなかった、ということです。

彼が描こうとしたのは、
世界がどのように立ち現れてしまったか──
その現象そのものだった。

印象派的技法は、そのために選び取られた手段にすぎません。
短い筆触も、強い色彩も、デフォルメも
世界を美しくするためではなく
世界の重さや圧力をそのまま引き受けるために必要でした。

ゴッホの発明とは、
世界を再現することでも、内面を表現することでもなく、
世界の「現れ方」を描くという地点に絵画を押し広げたことだったのではないでしょうか。

次回は、
今回の展覧会の意図
-なぜ「ゴッホの作品が少ない構成」だったのか
-影響関係の連鎖（A→A’→B）を強調していたのか

その展示意図について、もう少し踏み込んで考えます。
楽しみにしてください。
第2部書きました！↓

かなり長くなっしまいましたが、読んでくださってありがとうございました！
感想に共感いただけた方、もしよければチップいただけると嬉しいです。
次回作へのモチベーションになります！